Inspiration & contemplation

C’est, portée par ma tendresse infinie pour Charlotte Gainsbourg que je sors à Nantes un soir de mai pour voir son concert à Stereolux. Intriguée par cette collaboration scénique avec Connan Mockasin, je me demande si je vais assister à un show extra-terrestre ou si je vais rester attendrie.

J’étais ravie d’obtenir un pass photo pour le concert. Pour l’occasion, j’ai donc mitraillé les trois premières chansons, mon vieux Minolta à la main, sucrant légèrement les fraises (rapport à l’émotion !). Mais à ma grande tristesse, mon film s’est déchiré quand je l’ai rembobiné (comment c’est possible ?) du coup, ces clichés resteront un mystère. Ils n’ont pas pu être développés, et ça m’a vraiment foutu un coup au moral.

Bref, maintenant que j’ai partagé ma peine avec vous, je peux vous raconter le concert en toute sérénité !

J’arrive pile pour l’intro du set – la première partie n’étant vraiment pas ma cam – et découvre un décor blanc laiteux : des panneaux de couleur clair se découpent dans le fond de scène comme autant de petits monts lumineux. Les musiciens, enveloppés d’une fumée cotonneuse, entrent sur cette banquise futuriste et leurs tenues de scène s’accordent parfaitement avec l’ambiance ; blanches, épurées.

Les trois premières chansons passent à la vitesse d’un éclair alors que j’ai l’œil rivé à mon Minolta. « Terrible Angel », « Anna », « All The Rain »… mes titres préférés de Stage Whisper ! Un petit pincement au cœur quand je pense à ma pellicule déchirée. Le concert se passe dans une ambiance sereine, le public semble captivé par la présence de Charlotte. Malgré le chant parfois peu assuré et cette timidité extrême, je reste fascinée par la muse qui a su inspirer Air, Beck, Javis Cocker. Je songe à ce que j’aimerais lui dire si un jour j’ai la chance de l’interviewer.

Je dois avouer que c’est un des concerts les plus « silencieux » auxquels j’ai assisté. En fait, je l’ai plus vécu comme un moment contemplatif.  Stage Whisper porte bien son nom et j’ai l’impression que Charlotte – en changeant de partenaires sur scène – a changé son approche du live. Le concert de la Cigale que j’ai vu en 2010 me laisse un souvenir beaucoup plus frontal, animal, presque rock. Mais pour cette tournée, c’est comme si notre princesse s’était dit : « Je suis timide et je l’assume, je n’ai pas envie de me forcer à être une autre sur scène ».

J’ai préféré le côté tribal de son live sur IRM, mais j’ai aussi passé de bons moments à Stereolux, admirant les silhouettes blanches sur scène, sensible à l’aura mystérieuse de Connan le blond (et non pas le barbare) qui apparaît comme le double de Charlotte. C’est un concert touchant, où deux grands timides ne se forcent pas à faire le show. J’ai particulièrement aimé le moment où ils se sont assis sur scène pour « Got To Let Go », c’était très improbable, tout comme le moment où notre star de la soirée se met à la batterie, sur une des chansons de Connan Mockasin. Beaucoup d’amour aussi pour « Out Of Touch », chanson qu’ils ont écrite tous les deux.

« Charlotte, tu es magnifique ! », s’enflamme une femme dans le public.

Notre muse murmure un « Merci » touché et je fonds.

Finalement, on est plus happé pas la présence de ce duo d’une timidité charismatique que par le son en lui même. Un bon moment, et une impression légèrement cotonneuse à la sortie du concert. Merci Charlotte, tu es la seule à pouvoir recevoir un bouquet de rose sur scène.

]]> http://www.acrossthedays.com/across-the-music/live-report-charlotte-gainsbourg-a-stereolux/feed/ 0 http://www.acrossthedays.com/across-the-itw/superpoze-interview-dun-jeune-talent/ http://www.acrossthedays.com/across-the-itw/superpoze-interview-dun-jeune-talent/#comments Sun, 27 May 2012 21:54:26 +0000 Joseph Lanfranchi http://www.acrossthedays.com/?p=8450

Superpoze

Superpoze, c’est le genre d’artiste avec lequel on peut rentrer dans un monde étendu, entre hip-hop, pop jusqu’à quelque chose de plus jazzy. Que ce soit du remix ou des créations perso, il y a toujours un souci de qualité. Et tout cela empêche de le ranger dans une catégorie, mais réjouit nos oreilles. C’est bien le plus important.

Rapide présentation de son travail :

Mis en ligne il y a environ un an, l’album « Lost Cosmonaut », à télécharger gratuitement, est une réussite qui contient quelques excellentes chansons notamment « Monkey Attack » et « Favourite Flavor ».

Dans un style plus pop, Superpoze nous a proposé récemment quelques très bon remixes de Woodkid (« Iron ») ou de Snow (« Goldwave »), ainsi que deux tracks mélodiques : « The Iceland Sound » et « Transylvania ».

Pour ne pas perdre pied dans cet univers, on vous propose une petite interview de ce jeune prodige.

Interview :

Across The Days :

Qui se cache derrière Superpoze ?

Superpoze :

Je m’appelle Gabriel, j’ai bientôt 20 ans et je viens de Caen, ville super riche en groupes de musique.

D’où vient ton nom ?

Ça vient d’un livre que je lisais au moment où je cherchais un pseudo pour ce projet, tout simplement.

Tu pourrais nous dire de quel livre viens ton pseudo, sauf si tu préfères garder le mystère ?

Je garde le mystère.

Quand on est jeune comme toi et qu’on décide de faire de la musique sérieusement, comment ça se passe ? Comment composes-tu tes morceaux, chez toi, dans un studio … ?

Je compose tous mes morceaux dans ma chambre. J’ai mon ordi et mes contrôleurs devant moi, un micro à droite, une guitare à gauche.

J’ai écouté tes morceaux sur soundcloud, et entre tes propres compositions, il y a des évolutions importantes. Pourrais-tu trouver une caractéristique commune ? Comment décrirais-tu ce que tu produis ?

Le point commun entre mes morceaux ? La façon dont je les compose je pense. Mes éléments de batterie notamment, que j’enregistre à chaque fois. C’est vrai que quand tu écoutes les morceaux qui sont sur mon soundcloud, tu peux passer d’un truc hyper pop à quelque chose de clairement hip-hop… Je fais ce qui me plait en fait. J’ai peur de rentrer dans un schéma où je vois qu’un morceau est plus cool que les autres, donc j’essaye de le prendre comme modèle pour les compositions suivantes. C’est un coup à tuer la démarche créative.

Quelles sont tes influences ?

J’écoute énormément de musique. J’ai évidemment écouté beaucoup de hip-hop, français ou international. Dans les musiques électroniques, je suis super fan de toutes les nouvelles productions aux influences hip-hop, que des gens appellent « wonky » ou « nu hip-hop ». J’adore le boulot de mecs comme Nosaj Thing, Dorian Concept, Dimlite, etc. Mais j’écoute aussi pas mal de folk et de plus en plus de pop. C’est à cause de ma ville, Caen. Tout le monde fait de la pop ici.

Tu as récemment fais des lives avec Beat Assaillant, comment c’était ?

C’était énorme. J’ai joué avec lui au Cargö à Caen et à la Cigale à Paris où je faisais la première partie. A Caen, on a joué en live le remix que j’ai fait de son morceau « B ». C’était un super moment. Il y a une vidéo ici.

Tu as déjà un clip pour ton morceau « The Iceland Sound », comment ça se passe pour un jeune musicien comme toi ?

Ça se passe bien (rire). Le clip, c’est après une rencontre avec Anthony Le Grand, qui avait fait une vidéo pour des copains à moi, Clockwork Of The Moon, un groupe de folk. On a tous les deux été branchés pour bosser ensemble, et voilà ce qu’on a fait.

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Tu as fait quelques remixes, comment choisis-tu les morceaux ? Simplement parce que tu les aimes beaucoup ou bien les choisis-tu parce que tu sens un potentiel particulier ?

Les remixes, ça dépend. J’ai fait le remix de Woodkid et de Kim Novak parce que j’avais vraiment envie d’utiliser ces morceaux pour en faire quelque chose d’autre. Après, on m’en a demandé. Je ne remixe pas que des morceaux que j’écoute. Mais tu sais, faire un remix, c’est comme faire une compo avec des samples, sauf que là, on te les impose.

Concernant ton avenir, qu’est ce que tu prévois à l’avenir ? Nouvel EP, un album ?

En ce moment je fais du live. Je jouerai à l’International à Paris le 30 mai, au Festival Art’Zimutés le 29 juin, à Astropolis le 17 août, et au festival Cabourg Mon Amour le 18 août. J’ai une super belle date pour le mois de juillet le 13 aux Francofolies. Je compose toujours beaucoup, je ne sais encore sous quelle forme ça va sortir, mais ces morceaux verront le jour bientôt, Ep ou Album.

Allez, on finit avec deux questions moins sérieuses pour te connaître un peu mieux. Peux-tu nous faire un top cinq des artistes présents dans ta discothèque ?

Top cinq ? C’est trop dur.. Mais les qinc derniers morceaux que j’ai écouté dans une de mes playlist sont de Django Django, Disiz, Grimes, YoggyOne et Dempster Highway.

Après il y a des artistes et des albums que j’adore. Je me lasserai jamais de « Days to Come » de Bonobo. J’aime beaucoup James Blake, Ifan Dafydd, Jai Paul. Et il y a l’album « Star of Love » de Crystal Fighters que je trouve super. Tune-Yards non plus je m’en lasse pas. Rraah y’en a trop…

Où rêverais-tu de faire un live ?

Faire un live pour la Blogothèque, ça me ferait vraiment plaisir.

Pour en savoir plus :

• http://twitter.com/#!/Superpoze
• http://soundcloud.com/superpoze
• http://superpoze.tumblr.com/
• http://www.facebook.com/SuperpozeMusic/

L’Europe est en crise; l’Égypte a fait une révolution pour rien; la Grèce est à la ramasse et le Vatican est en alerte « Da Vinci leak ». Mais il arrive qu’une case horaire, sur France 3, permette de redonner espoir dans une humanité qui n’en a plus. Soit celle du 26 mai 2012, à 21h, en compagnie du concours de l’Eurovision. 

Pour faire court, cette émission représente le LOL musical en Europe et plus, géographiquement, si affinités financières (gaz, pétrole, etc.). Un peu comme si YouTube décidait d’organiser une soirée avec du lolcat, la différence étant qu’il s’agit ici de 43 chanteurs, chacun représentant sa petite maison.

Azerbaïdjan mon amour

Tout d’abord, un petit détour par le pays hôte des « festivités » s’impose : l’Azerbaïdjan. Une nation empreinte de démocratie, de justice sociale, pleinement intégrée dans l’Union-Européenne et connue pour combattre la corruption. Ou pas. Son triptyque ? Peur, prison et pétrole. Une belle dictature comme il n’en existe plus aujourd’hui en Europe. Ses copains de classes ? La Biélorussie, sous influence russe, et la sympathique Hongrie qui file, avec Viktor Orban, un mauvais coton.

Ainsi, le régime de Bakou (cf. la belle capitale de l’Azerbaïdjan, vendue hier soir sur toutes les chaînes retransmettant l’événement, y compris France Télévisions) illustre à lui tout seul le non-respect des libertés, une presse bâillonnée et un système politique sans aucune espèce d’opposition.

En somme : un pays chaleureux pour accueillir le concours de l’Eurovision, qui aura financé sa petite sauterie publicitaire pour la modique somme de 48 millions d’euros. Tout-va-bien.

La musique est morte

Beaucoup plus réjouissant, la musique, les artistes, les compositions et le génie des chanteurs présents sur place. Pour rendre hommage au dieu de la musique (on l’appellera « David Guetta » ou « Skrillex »), l’Eurovision option 2012 nous a concocté une fameuse programmation, loin du morne Reading Festival et du faiblard Coachella. Ici, place à la puissance, place à une production scénique époustouflante et des artistes de renommée mondiale.

Quelques noms, que vous reconnaîtrez sûrement :

• Ott Lepland (Estonie)
• Nina Zilli (Italie)
• Compact Disco (Hongrie)
• Kaliopi (Macédoine)

Ensuite, prenons en exemples trois performances.

La Roumanie

Tout d’abord la Roumanie et son « groupe de roms », expression utilisée par Mireille Dumas, commentatrice inutile le temps de la soirée. Après quelques secondes d’attention, on se rend compte que la musique roumaine (« Zaleilah ») est un brassage d’influences insoupçonnées : des cornemuses irlandaises alliées à une rythmique latino-américaine. Personne ne s’en doutait, Mandinga l’a fait.

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L’Albanie

Gros boulot musical. Car Rona Nishliu est une chanteuse à double tranchant : physiquement, on croirait se retrouver lors des heures les plus sombres de la filmographie de Luc Besson, soit « Le cinquième élément »; vocalement, c’est digne d’une Lara Fabian qui aurait couché avec un loup-garou. Ça crie, ça hurle, ça fait tout sauf chanter juste. Au final, ça a le mérite de mettre toutes les oreilles d’accord : en hibernation.

On vous laisse admirer cette chanteuse qui devrait être rapidement diffusée sur nos ondes. Avec des craies qui crissent sur un tableau, le clip de  « Suus » est une belle métaphore de l’effet que peut avoir sa voix sur le genre humain.

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La Russie

Comme si un Spielberg bas de gamme était aux manettes, les russes ont joué leur va-tout : placer, sur scène, une bande de grands-mères hystériques accompagnées d’un four. Rien de plus simple pour constituer le décors du plus gros « WTF » du système solaire. Évidemment, nous ne parlerons pas du génie de la production russe, coutumière du fait.

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« What’s the point ? »

Au-delà des résultats du concours, qui sont la somme des « télé-votes » (couplés aux SMS) d’européens écervelés prêts a dépenser pour leur folklore musical qui vient de muter en une techno outrageusement vulgaire, le champ de bataille est déprimant.

La Suède a gagné, oui. La France se retrouve derrière l’Azerbaïdjan et la Grèce, oui. Mais aucun vainqueur. Seulement une compétition où la musique a pris un coup de hache (le couteau étant un euphémisme) dans le dos.

La faute à un pays hôte qui n’a rien à faire dans ce genre de show international, épaulé par des pays qui n’ont pas daigné boycotter le concours (excepté l’Arménie). La faute à une compétition internationale qui est la honte de la musique dans tout ce qu’elle a d’exécrable : du play-back, un mélange des genres qui pourrait faire aimer le black métal à un détenu de Guantánamo, et une émission qui se fait le miroir publicitaire d’un pays aux mains d’un dictateur.

Ce soir, tout sonnait faux.

Merde, j’en viens à regretter les NRJ Music Awards.

Aujourd’hui parlons des femmes, de ces jolies voix et de leur talent. Voici une petite sélection de voix féminines qui enchantent nos oreilles à chaque écoute. De la nouveauté et un peu moins.

Grimes

On ne peut que commencer par Grimes, look punk, musique électro, voix aiguë. Cette canadienne est étonnante, sa musique l’est autant. Après ses premiers EP’s et albums qu’elle enregistrait sur cassette (tout comme Dreams West), elle s’est mise au CD pour « Visions » qui est sorti en mars 2012. Voici un extrait avec « Genesis », faites attention le rythme fera sûrement sautiller tout votre corps.

Zola Jesus

Entrez maintenant dans le monde étrange de Zola Jesus. Sa musique particulière nous entraîne dans son univers, avec sa voix grave, un fond musical électronique, et le côté obscure qui règne dans toutes ses tracks. Après écoute, vous ne serez pas étonné de savoir qu’avant elle voulait être cantatrice.

Rye Rye

Tout autre registre, avec Rye Rye. Elle est connue pour ses folles coiffures mais pas seulement : elle danse comme personne, et son rap est reconnaissable parmi des millions. Vous avez pu la découvrir lors de son featuring avec MIA pour « Sunshine », mais aussi avec son premier titre « Shake it to the ground » où elle dévoile un flow unique.  La belle sort son premier album avec pour première révélation « Boom boom » digne de son style hip hop rap moderne. Le clip est plein de couleurs et vous fera penser à vos multiples jeux vidéo.

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Random Recipe

Même si c’est un groupe mixte, les deux voix qui s’accordent parfaitement sont de deux filles. C’est tout simplement l’osmose, entre un rap classieux et une voix à un grain rare. Ce somptueux duo de voix vient de Montréal et ne manque jamais de nous surprendre. Le groupe n’a pas sorti d’album depuis 2010 (2012 en France), mais nous avons récemment eu droit à une « Bim Bam Boum session » pour le titre « Something On My Mind » de leur ancien album et d’une belle reprise de Glory Box. Ils promettent que le nouvel album est pour bientôt. Voici la reprise du morceau de Portishead :

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Belleruche

Encore un groupe porté par une voix féminine, celle de Katrin DeBoer. Une petite voix, mais bien déterminée, qui donne au groupe londonien électro une touche de rock. L’une des musiques du dernier album qui reste marquante est « Stormbird » pour son rythme changeant et entraînant, comme une nouvelle musique qui commence à 1 minutes et 55 secondes.

Lou Doillon

On la connaissait mannequin, actrice ou encore « fille de », mais la voilà maintenant chanteuse. Une belle surprise pour Lou Doillon qui nous révèle une douce sensibilité pour le titre I.C.U. (se prononce « I see you »). Lou Doillon s’est entourée des bonnes personnes pour réaliser l’EP, qui sortira le 11 juin, comme d’ Etienne Daho et Zdar (Cassius).

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Voici les albums de filles à suivre :

Julia Stone, oui de Angus and Julia Stone (« Big Jet Plane ») sort son album le 28 mai, nous attendons aussi avec impatience celui de Coco Rosie après le premier extrait qui laisse à promettre, l’album sort dans les prochains jours.

La muse de Wax Tailor, Charlotte Savary, continue son partenariat avec le groupe et ils devraient bientôt sortir un album (ils le disent depuis janvier). Quant à Melody Gardot, la jolie voix jazz qui avait marqué le festival de Cannes 2010 en chantant pour la cérémonie d’ouverture, sort un nouvel album le 28 mai, à suivre.

Également prévu pour le 28 mai, le nouvel album de Regina Spektor, « What We Saw from the Cheap Seats ».

Photographie de Grimes par Raphael Ouellet.

Extrait du clip de Run Boy Run

En 2011, on découvrait, béats d’admiration, l’excellent Iron, signé Woodkid. Enfant de bois, c’est le surnom qu’a choisi Yoann Lemoine, plus connu en qualité de clippeur que comme musicien. Il avait déjà signé des clips pour Katy Perry & Taylor Swift à l’époque, mais aussi Moby et The Shoes. Depuis, il a également œuvré avec Lana Del Rey, une proche amie avec qui il jouera en live. Notre homme, rémois d’origine, est donc au top de la hype.

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Iron est un excellent morceau, épique, dantesque, et très addictif. Une réussite qui prouve que la pop peut faire beaucoup avec une orchestration magistrale sans tomber dans la lourdeur. Le clip est du même niveau (il l’a réalisé lui-même) : il montre la mannequin Agyness Deyn courir dans un superbe univers en noir et blanc, très léché. C’est ce noir & blanc qui porte la signature Lemoine, un noir et blanc chiadé et soigné, qui évoque les plus grand réalisateurs, entre Hitchcock ou plus récemment Haneke, mais utilisé avec la liberté d’aujourd’hui (comprendre : en numérique).

Pourtant, sur l’Iron EP, il n’y a guère qu’Iron pour exciter nos oreilles. Brooklyn tend vers la folk-song sensible et met en avant la voix (particulière mais irréprochable) de Woodkid, mais à force de piano et de pleurnicheries, on tombe dans la pop facile et le morceau commence vite à évoquer U-Turn (Lili) d’aAron, et devient indigeste. Baltimore Fireflies ne fait guère mieux, mais son orchestration rend la chose un peu plus originale. Quant à Wasteland, elle éveille notre intérêt mais ne développe pas grand chose. Pas une catastrophe, cet EP montre tristement qu’en dehors de ses instrus épiques, Woodkid reste un artiste loin d’être mauvais, mais à l’intérêt limité. L’enfant de bois serait-il creux ?

2012 est pour lui l’année du premier album : il va devoir montrer qu’il peut développer son univers en un effort long-format. A grand renfort de teasing simple mais efficace il annonce le single (accompagné de quelques remixes), Run Boy Run pour fin mai, et la toile attend impatiemment la chose. Run Boy Run, parlons-en. Il répète la formule Woodkid qui marche : on souligne le côté épique avec une orchestration riche, on signe un clip en noir et blanc avec des gens qui courent, c’est travaillé et super efficace.

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Attends attends, deux secondes, mec.

Tu dis quoi ? Morceau épique ? Grand orchestre super impressionnant ? Clip teasé à mort et super cool ? Un gosse qui court ? En noir et blanc, tu dis ? Un univers avec des monstres et plein de trucs qui font peur ? Attends… Mais… Tu l’as pas déjà fait ce truc là ? Ah mais oui, c’est ça ! Tu nous fais Iron II – Le Retour, quoi ? Non mais n’essaie même pas de nier. Ok, c’est pas un problème, tu sais t’es pas non plus le premier à manquer d’originalité, comme ça, ni le dernier à nous réchauffer les restes pour capitaliser sur le succès.

Iron, la surprise en moins puisqu’on connaît la chanson depuis deux ans, donc, on nous colle trois remixes dans les pattes. Un premier, signé SebastiAn, qui alourdit l’orchestration pour rendre le morceau encore plus efficace. Ca marche super bien (j’aime beaucoup) mais soyons honnêtes, on est loin d’un grand remix. Bon. Et le remix de Tepr, alors ? Ah, oui. Le remix de Tepr. Oh bah là aussi c’est efficace, avec plein de gros beats bien lourdingues, mais c’est plus tellement intéressant. Reste le remix d’Ostend, qui rend le tout atmosphérique et ô combien plus délicat.

Alors, quoi ? Woodkid restera-t-il à jamais l’homme d’une seule chanson, Iron, qu’on continuera d’applaudir à tout jamais ? Va-t-il à construire sa carrière sur ce seul morceau ? L’album qui entourera Run Boy Run réussira-t-il à créer une surprise, bien nécéssaire ? En attendant, l’affaire marche plutôt bien Woodkid, ses (rares) dates se remplissent vite et le succès est incontestable. Mais un matin, le monde risque de se réveiller et de réaliser l’arnaque.

En fait, l’enfant de bois ne serait qu’un pantin.

Un long dimanche, non pas de fiançailles mais de maladie durant lequel mon nez accouchait d’un nombre incalculable et inimaginable de rejetons de ce cher pokemon Grotadmorv. Soleil radieux sur Prague, légère brise apaisant l’atmosphère, les parcs pourraient offrir compagnie agréable. Non, tu restes chez toi, cloîtré entre quatre murs, continuant sempiternellement à distiller tes sécrétions nasales. Et voilà que tu te promènes sur bandcamp et, au détour de quelques clics fortunés, tu arrives sur la page de « Foreign Field ».

Explosion de sons, avalanche de réconfort. Je cherchais avec peine une musique qui ne m’aurait assailli de beats grinçants ou tambourinants. Au contraire, quelque chose de plus chill et onirique aurait été au plaisir de mes oreilles. Chose faite avec l’album « Anywhere but where I Am » qui seyait à mon humeur et ma santé désastreuse comme la chaussure en verre au pied de Cendrillon…

L’histoire n’est pas sans rappeler celle d’un certain Justin Vernon de Bon Iver. Originaires du Wisconsin, Eric Hillman et Brian Holl s’en étaient partis coloniser Chicago mais l’envie d’enregistrer un album les a poussé à revenir sur leurs terres natales pour enregistrer cet album, en quasi autarcie pendant six mois, dans un bâtiment abandonné de cette terre immergée en pleine nature qu’est le Wisconsin.

Je ne suis pas grand fan des comparaisons d’artistes car dans la plupart des cas, c’est poser une étiquette bien définie sur un artiste dont le travail est totalement différent et personnel. Étrangement, je n’ai pas du tout été fan du dernier Bon Iver (considération personnelle) et n’ai pas trop compris un tel buzz à son sujet. Mais bon, je préfère qu’il soit récompensé pour un travail qui reste très bon même s’il ne m’a pas transporté plutôt que de voir une pute aux lèvres et aux seins refaits (excusez moi, c’est un cri du cœur) remporter les Grammy Awards. Je ne me permettrai donc pas de le comparer à Foreign Fields. Même si on dénote une similarité dans l’ambiance générale, les deux albums ont leur propre signature.

Ce qui m’étonne profondément, c’est le professionnalisme de cet album, sachant que les deux hommes ont l’ont réalisé d’une main de maître, de A à Z, avec les moyens du bord, subissant les remous de cette houle de notes et d’idées. Il y a là de quoi faire pâlir bien des artistes. J’ai été entièrement subjugué par cette folk électronique dans laquelle on sent les formations classiques au piano et à la guitare/basse, dans laquelle les harmonies sonores et vocales vous transportent exactement à l’endroit ou la photo de la pochette de l’album a été prise.

Divagations d’un homme malade physiquement et mentalement ? Non, j’ai continué à écouter encore et encore, que ce soit sous cortisone ou ayant recouvré un état normal, le charme y est toujours aussi poignant, comme si une main me transperçait le ventre pour éteindre mes entrailles de l’intérieur. C’est un album qui mérite plusieurs écoutes afin d’en saisir la beauté et l’atmosphère. C’est surtout un album qui, à mon sens, sera un des meilleurs albums folk de 2012. Alea jacta est !

 Depuis ce mercredi, c’est avec un mélange certain d’appréhension et de curiosité que les amateurs de Jack Kerouac se bousculent dans les salles afin de pouvoir apprécier l’adaptation du roman de ce dernier, « Sur la route », par Walter Salles. Dans la file d’attente, on s’amuse à compter le nombre de paires de Wayfarers, chemises en jean et pantalons chino ; évidemment, il y a pléthore. Tous se posent la même question : Comment Salles va-t-il réussir à retranscrire le style et l’ambiance de ce livre de Kerouac classé parmi les 100 meilleurs romans anglo-saxons du XXe siècle, ce mélange de malaise et d’envie et cette sensation que tout part à deux cent à l’heure ? Va-t-on, en sortant, tous prendre notre sac à dos et partir en stop à des milliers de kilomètres, shootés à la benzédrine ? Et puis, il y a ces adolescents qui, à la vue de l’affiche s’attendent à un remake de Road Trip, sans Seann William Scott.

 Un projet titanesque

Le projet de l’adaptation cinématographique de « Sur la route » date des années 1950, où l’écrivain voyait déjà le road movie à l’écran avec Marlon Brando et James Dean en tête d’affiche. En 1968, c’est Francis Ford Coppola qui acheta les droits du roman et fit appel à Joel Schumacher, Jean-Luc Godard ou encore Gus Van Sant afin de mener avec lui l’aventure : en vain. C’est en découvrant « Carnets de voyage » que Coppola pris contact avec Salles.

Ce dernier, devant l’ampleur du challenge qui l’attendait, se documenta sur l’écrivain et la « Beat generation » et alla même jusqu’à prendre la route afin de refaire le trajet de Sal Paradise dans le livre. Toujours dans la préparation du tournage, il réunit dans un « camp beatnik », tous les acteurs avec des personnes ayant un rapport avec l’histoire du livre. « L’idée est de créer un collectif avant de commencer un film », expliqua-t-il. Ainsi, dans ce camp, Salles y a rassemblé Barry Grifford, écrivain proche de Kerouac, la fille de LuAnne Henderson/Marylou et le fils de Neal Cassady/Dean Moriarty.

 Un juste casting

Kristen Stewart, Sam Riley et Garrett Hedlund : voilà un croisement d’acteurs aux carrières pour le moins discordantes. De prime abord, ce casting pourrait laisser planer le doute quant à sa concordance avec les personnages du roman. Que nenni ! Kristen Stewart, choisie pour jouer dans ce film bien avant la saga Twilight, signe ici le rôle qui lui permettra de se détacher de l’image d’actrice pour films de pré-adolescents. Juste et envoûtante, le personnage de Marylou lui colle à la peau. Plus proche de ses rôles dans « Into The Wild » ou « The Runaways », « Sur la route » est pour elle un énorme gain de crédibilité qui lui permet de gravir les marches du festival de Cannes pour la première fois.

On ne doutait pas de la place de Sam Riley dans ce film tellement il a impressionné dans le rôle de Ian Curtis dans « Control ». Fragile, cultivé et fasciné, le personnage de Sal Paradise/Jack Kerouac possédant les mêmes traits de caractère que celui de Curtis, Riley n’a pas eu à opérer de grands chamboulements dans son jeu mais a confirmé que ce rôle n’aurait pu être donné à un autre. Il se laisse mener à travers les États-Unis et le Mexique, en quête d’une vie utopique, par un Garret Hedlund dans le rôle de Dean Moriarty/Neal Cassady, à des années lumières des personnages auxquels on l’associait jusque là (Patrocle dans « Troie », Murtagh dans « Eragon », Sam Flynn dans « Tron : L’Héritage »). Son interprétation de Dean est un sans faute. On pourrait même se laisser dire qu’il crève l’écran. Ajoutons à cela la belle Kirsten Dunst, plus que touchante, dans le rôle d’une Camille à bout de nerfs et l’on décroche le casting idéal pour une histoire « kerouaquienne ».

 La touche de Salles

Kerouac au cinéma, cela fait un demi-siècle que l’idée existe. Les projets ont été mûris, les réalisateurs prêts à franchir le pas, mais nul n’a souhaité s’y coller sérieusement. Salles l’a fait, et de quelle manière !

Il nous présente ici un film plus que fidèle à l’œuvre originale, tant au niveau du scénario et des dialogues que des sentiments que dégagent les protagonistes. Il fait, bien entendu, abstraction de bien des passages du livre pour se concentrer sur le fil rouge de l’histoire : la relation entre Sal et Dean (et Marylou). Tourné entre le Canada et l’Argentine, la  sensation de dépaysement à chaque rebondissement est bien là, tout comme les références à la culture Beatnik : jazz, amphétamines, littérature et milieu underground des États-Unis du milieu de XXème siècle. On ne tient pas en place. On a envie de partir sur la route, sous un soleil de plomb, ne sachant où aller et d’écrire un livre. On les envie. On se sent oppressé. Mais ne sont-ce pas là les traits du roman cités plus haut ? Pas tout à fait. Dans le roman, le sentiment d’oppression et de vitesse ne nous quitte pas. Ici, Salles, à la manière d’un chef d’orchestre empli de virtuosité, rythme l’avancée du récit, alternant les scènes de bruits intenses avec de longs silences, passant de la ville et ses automobiles aux champs de cotons, d’une scène de transe au milieu de prostituées mexicaines à un lit d’hôpital.

Le seul défaut que l’on pourrait trouver à ce film (parce que rien n’est parfait) vient de la longueur des trente dernières minutes. Peut-être Salles aurait-il pu condenser un poil la fin et nous laisser savourer quelques secondes de plus du « Yip Roc Heresy », du BeBop king Slim Gaillard ?

Cette semaine encore, l’équipe d’ATD vous a concocté un délicieux cocktail musical à consommer sans modération. Famille nombreuse oblige, cette semaine c’est dix sons qui s’offrent à vous.

Onra – L.O.V.E.

En provenance direct de son prochain EP ‘Deep in the Night », le beatmaker franco-vietnamien nous tease avec L.O.V.E., morceau Funk entêtant dans le sens positif de la chose. Son rythme endiablé et dansant s’ancre dans nos fébriles esprits et y élit domicile pour y passer la nuit. La pâte très 80′s d’Arnaud est toujours là et laisse donc présager du très bon, sortie prévue le 12 Juin. (Ken B.)

Kennedy’s Bridge - Way to the Mist

Kennedy’s Bridge, 5 jeunes garçons belges originaire de Liège, sortent le parfait morceau pop en adéquation avec la météo du moment. Une légère impression de « déjà entendu » qui ne dérange vraiment pas à l’écoute de ce morceau à la fraîcheur inattendue. (Sinh Blum)

Doldrums – Jump Up

Il est canadien et un peu barge. Doldrums vient de sortir un excellent EP « Egypt » et cette semaine il nous lâche Jump Up, dans l’attente de son maxi prévu cet été. (Loïc Marszalek)

Saint Michel – Katherine

Parlons un peu de jeunes français :
Du même nom que les galettes, le jeune duo Saint Michel, originaire de Versailles, tout comme Phoenix ou Air, a pondu un petit EP « I Love Japan » orientée pop indie légère et colorée parfaite pour s’allonger dans l’herbe en se dorant la pillule. (Louis H)

KlangKarussell – Sonnentanz

Vous pouvez désormais créer votre playlist pour l’été avec KlangKarussell. Du « jazz-electro » comme l’autrichien Klangkarussell le décrit. Il arrive à faire un son léger qui détendra tous vos débuts de journées difficiles. (Pauline Jeannette)

Goldroom – Angeles

Angeles, excellente chanson de Goldroom, le roi de du beat et du groove tropical, sur la cité des anges. Et pour rester dans l’air du temps, il suffit de s’allonger sur la plage, de se laisser porter par la chanson, sa guitare nonchalante et ses chants aérien pour sentir que  » I don’t wanna go home…. » (Joseph Lafranchi)

Orelsan – Le Chant des Sirènes

Du fait d’un certain préjugé vis à vis du R’n'B (le dandysme, dont je me réclame, et le rap ont rarement fait bon ménage) je n’ai jamais voulu me « bouffer » tout l’album d’Orelsan en une seule fois. Bien m’en a pris, non pas qu’il soit mauvais, au contraire, je découvre toutes les semaines des nouvelles chansons. Cette semaine c’était « Le Chant des Sirènes ». Chanson éponyme de son nouvel album. Je trouve qu’il arrive à allier dans cette chanson les qualités d’écriture de sa chanson « Suicide Social » et la géniale instru de « Raelsan ». (Hugo Deganis)

Japandroids – The House That Heaven Built

Le duo canadien Japandroids revient le 4 juin avec un album qui nous promet du bon Garage Rock. Dans la même veine que le premier album, le single annonce la couleur : des grosses guitares, des riffs puissants, un Rock énergique ! (Aurélien Souverain)

Dead Rock Machine – Show Me The Way

Un duo français qui a déjà de l’age mais qui faisait parti des découvertes du printemps de Bourges cette année, Dead Rock Machine nous délivre une électro rock efficace et entrainante. (Kévin Osmont)

Von Pariahs – Someone New

Von Pariahs, c’est une pop new wave morderne qui arrive tout droit du grand ouest et me rappelle ces bons moments que j’ai pu passer avec Joy Division – en un peu plus enjoué. Ils viennent de gagner le prix Découvertes du Printemps de Bourges, c’est bien parti pour eux ! (Clémentine Blue)

C’est tout pour cette semaine, on vous donne rendez-vous Vendredi prochain !

Belle Ville. Avec un espace entre les deux particules, nous voilà bien loin du quartier parisien, puisque nous sommes au Danemark. En effet, c’est de Copenhague qu’est originaire ce duo composé de Line, charmante blonde à la voix chaude, douce et rassurante, et de Kirk, dont les beats souvent ravageurs viennent régulièrement s’opposer au chant plutôt que de le souligner.

Au début de l’année, ils ont sorti un EP, Opium, dont ils présentent astucieusement les morceaux dans un bien joli teaser.

Cet EP s’ouvre donc sur Opium, morceau à la coolitude infinie, la plus belle carte de visite possible pour le groupe, puisqu’elle résume tout à elle toute seule : des beats qui entrent en syncope, sur lesquels viennent s’apposer une voix qui n’est pas sans rappeler Portishead. Un morceau tellement addictif qu’on l’a placé en ouverture de la mixtape du mois de mai. Un morceau tellement bien que le groupe lui même l’a remixé, faisant la part belle à des échos bienvenus, et adoucissant les beats de Kirk. Un bonheur, également remixé par Troels Abrahamsen, qui ralentit l’ensemble et adoucit encore l’atmosphère déjà brumeuse, lui donnant un aspect post-dubstep, ainsi que Jens Lindahl, qui lui ammène plus la chanson vers un hédonisme apprécié.

Quand arrive White Flags, on commence à bien connaître l’univers des deux Danois, qui se laissent aller à une chanson plus planante, à l’arrière-goût plus chill que jamais, parsemant même le chant d’un peu de vocoder. You’re My Left Wing connaît des basses plus présentes, c’est une sorte de love-story dans un monde parallèle, où Björk serait la reine du dancefloor. Quant à Dreams, elle est plus délurée, laissant apparaître des ambitions pop explicites avant de s’enfoncer dans un dubstep pas forcément des plus raffinés (mais pas inintéressant, bien au contraire).

On ne peut que vous encourager à vous pencher sur ce duo magnétique, à mi-chemin entre electro-pop minimaliste et trip-hop expérimental. Nominés l’an dernier comme « Best Upcoming Electronica Act » aux Danish Underground Music Awards, ils ont déjà quelques festivals nordiques à leur actif, devraient passer en Europe cet été, avant de sortir un album pour la fin de l’année. On a déjà hâte d’écouter leur effort en long format, et si la météo s’y prête, on s’imaginera avec plaisir déambulant dans les rues de Copenhague, de la vapeur s’extirpant de notre souffle, alors que leurs chansons sortiront de notre iPod glacé par le vent.

Je le connaissais en tant que Mathieu Abeillon, mais c’est bien Kenkrieg qui m’a ouvert la porte de son appartement du 8ème arrondissement de Lyon. Profitant d’une accalmie en ce début de soirée pluvieuse, on s’est installé sur sa terrasse afin de siroter une bière sur fond de Sigur Rós. Une chose est sûre, on est bien reçu.

Peux-tu présenter en quelques mots le projet Kenkrieg ?

J’ai commencé le projet, en l’occurrence à lui donner un nom, fin 2008. Je jouais dans un duo electro-pop, et j’avais à coté des compositions que je bossais seul. J’ai toujours eu envie d’avoir un projet dans lequel je serai seul maître : composition, enregistrement, production, …

Tes deux albums sont auto-produits, c’est bien ça ?

C’est ça ! Aux manettes du projet jusqu’à la fin ! Disons que le seul écart est sur le premier lors duquel j’ai envoyé les mixages à une studio qui m’a fait le mastering.

Comment qualifierais-tu ta musique ?

Je pense que je peux dire « pop » : dans le sens où les morceaux ont des constructions généralement classiques. Sur le premier album, il y avait une bonne partie du CD qui tendait vraiment vers l’électronique : pas tant dans les rythmiques que dans les sons qui n’avaient vraiment plus rien de naturel. Le deuxième est peut-être plus facile à la première écoute : plus pop.

Quelles sont tes influences majeures ?

J’ai écouté beaucoup d’Emerson Lake and Palmer ; j’ai toujours adoré le contraste qu’ils sont capables de créer entre deux parties, du genre : c’est la guerre pendant deux minutes, puis l’illumination dans la foulée. Des artistes comme Air, Trent Reznor, MGMT, ou plus récemment les productions du label Mako Records.

Tu es peu présent sur les réseaux sociaux, c’est un choix ?

Ce n’est pas un choix, c’est même un vrai défaut. Mais je ne sais pas faire ça. Je n’arrive pas à me faire à l’idée de devoir fairema promotion. Même si je suis bien conscient qu’il faut effectivement trouver quelqu’un qui s’occupera plus tard de ça, et donc le trouver en se vendant un peu à lui. Mais du coup, j’ai effectivement une visibilité très faible sur le net.

Tu seras mercredi à La Laiterie avec Django Django et Spoek Mathambo. Dans quel état d’esprit abordes-tu ce concert ?

J’ai hâte ! Hâte d’aller enfin faire de nouveau un peu de scène. Ça va faire un an que je n’ai pas joué en live et La Laiterie est vraiment une très bonne salle. En plus Django Django et Spœk Mathambo, c’est juste vraiment bon !

Retrouvez les deux albums de Kenkrieg, « Letter To A Mediatic World » et « Direction », dont le second en téléchargement gratuit, ici.